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Due giorni, molte voci e una domanda che continuava a tornare, in forme diverse: che cosa rende ancora davvero desiderabile la moda?

Il 21 e 22 settembre ho partecipato a Milano, nella suggestiva cornice della Torre Velasca, alla 25ª edizione del Milano Fashion Global Summit, quest’anno dedicato al tema Roads and Roots. Strade e radici. Due parole che raccontano bene il momento che stiamo vivendo.

Da una parte ci sono le roads: intelligenza artificiale, nuovi mercati, retail che cambia, e-commerce, beauty, hospitality, nuove esperienze e nuovi modi di entrare in relazione con il consumatore.
Dall’altra ci sono le roots. cultura del prodotto, manifattura, territorio, competenza, identità, memoria. E creatività.

Il valore sta nel far crescere insieme queste due dimensioni: innovazione e tecnologia da una parte, cultura del prodotto, competenze e identità dall’altra. E soprattutto nel modo in cui riescono a incontrarsi e a dare forma a qualcosa di riconoscibile e contemporaneo.

Un settore che sta recuperando, ma in un mondo diverso

Il contesto non è semplice.
Secondo le stime presentate dalla Camera Nazionale della Moda Italiana, il settore dovrebbe chiudere il 2026 intorno ai 91,4 miliardi di euro di fatturato, in calo dell’1,6% sul 2025. Un dato ancora negativo, ma decisamente migliore rispetto alle previsioni con cui l’anno era iniziato.
Geopolitica, consumi più cauti e rallentamento dell’export continuano a pesare.

Carlo Capasa, presidente di Camera Nazionale della Moda Italiana, ha però posto l’accento su qualcosa che va oltre i numeri: l’innovazione è necessaria, l’AI sarà sempre più presente, ma la moda non può rinunciare alla sua componente umana, perché alla fine deve emozionare.

Quando un mercato rallenta, la reazione più immediata è parlare di efficienza, distribuzione, costi, organizzazione. Tutto necessario. Ma la moda vive anche di una materia molto meno misurabile: il desiderio. Ed è interessante che proprio il concetto di desiderabilità sia tornato più volte, anche attraverso posizioni molto diverse.


Lusso, desiderabilità, eccellenza: forse stiamo cambiando vocabolario

Diego Della Valle sposta il discorso dal lusso alla qualità e alla desiderabilità.
Al Summit ha riportato l’attenzione sul saper fare e su quella che ha definito intelligenza artigianale: l’AI può essere utile, ma non può essere la macchina a insegnarci la creatività. L’uomo deve restare al centro.

Brunello Cucinelli guarda all’intelligenza artificiale con apertura. Alla AI associa la ragione, mentre all’uomo riconosce quella quota di “follia” da cui possono nascere intuizione, sogno e creatività. Le due dimensioni, nella sua visione, possono convivere. Anche sul lusso continua a dare valore all’esclusività, considerandola una componente importante del valore del marchio

Luca de Meo, oggi alla guida di Kering dopo una lunga esperienza nell’automotive, sposta invece l’attenzione su un altro concetto: l’eccellenza. Per de Meo, la creatività appartiene a tutta la filiera: non riguarda soltanto chi immagina una collezione, ma anche chi sviluppa il prodotto e chi, con competenza artigianale, lo rende possibile.

Ed è proprio il valore delle maestranze e del saper fare uno dei temi tornati più volte durante il Summit: non come semplice eredità da preservare, ma come parte concreta della qualità e dell’identità del prodotto.

Quando il prezzo perde il rapporto con il valore percepito, la soluzione non consiste semplicemente nell’abbassarlo: bisogna aumentare ciò che il prodotto contiene in termini di materiali, innovazione, servizio e creatività.

Tre linguaggi diversi — desiderabilità, lusso, eccellenza — che convergono su una questione molto concreta: non basta costare molto per avere valore. E oggi anche la forza del marchio, da sola, sembra non bastare più. Bisogna tornare a dare al prodotto una ragione per essere scelto.


Il prodotto non basta più. Ma senza prodotto non c’è esperienza che tenga

Un’altra parola ricorrente al Summit è stata esperienza.
Il consumatore è cambiato. È più informato, più consapevole, probabilmente anche più difficile da conquistare.

Valentina Corbetta di Veepee ha raccontato un e-commerce che non è più semplicemente un canale di vendita: diventa parte della relazione tra marca e cliente. Prima dell’acquisto si moltiplicano i touchpoint e la fiducia si costruisce soprattutto sulla coerenza tra ciò che viene promesso e ciò che realmente accade dopo il click.

Contemporaneamente, però, il negozio fisico non scompare. Francesca Cattagni di Colliers ha ricordato che, nonostante l’e-commerce, il negozio fisico mantiene un ruolo centrale e nelle principali destinazioni commerciali gli spazi disponibili sono sempre più limitati. Lo store sta cambiando funzione. Non è soltanto un luogo dove acquistare, ma un luogo dove il brand prende forma fisicamente, attraverso posizione, architettura, vetrina, layout, servizio ed esperienza.

Persino l’outlet racconta questa trasformazione. Matteo Migani ha raccontato come Serravalle, in 26 anni, sia cresciuto da 60 a 240 negozi e abbia cambiato progressivamente identità: da luogo legato soprattutto alla convenienza a vera destinazione lifestyle. Il prezzo continua ad avere un peso, ma oggi contano sempre di più anche l’accoglienza, i servizi e la qualità complessiva dell’esperienza.

Remo Ruffini, Chairman e CEO di Moncler, ha riportato tutto questo alla marca: prima viene la costruzione di un’identità forte, poi il retail e il prodotto devono permettere al cliente di riconoscersi in quell’universo. È anche da qui che nasce il valore di un oggetto: non solo da ciò che è, ma dai valori, dalle immagini e dai significati che riesce a portare con sé.


Dalla moda al lifestyle

Anche i confini del settore stanno diventando meno netti.
Beauty, hotellerie, nautica, ristorazione, wellness, longevity: territori un tempo distinti entrano sempre più frequentemente nelle strategie dei grandi marchi.

Dolce&Gabbana, ad esempio, ha deciso di portare internamente il beauty, considerandolo anche un ponte verso generazioni più giovani. Alfonso Dolce ha parlato di bellezza come espressione di uno stile di vita e di radici culturali, sottolineando il valore del territorio, dell’artigianato e soprattutto del manufatto, cioè del lavoro e della passione umana incorporati nel prodotto.

Gildo Zegna ha raccontato invece un gruppo sempre più orientato al rapporto diretto con il cliente. Gli Stati Uniti sono oggi il primo mercato per Zegna e l’obiettivo dichiarato è arrivare a un mix vicino al 90% retail e 10% wholesale, pur mantenendo con orgoglio l’identità di family business.

Giovanna Vitelli, presidente di Fondazione Altagamma, ha ricordato inoltre l’importanza crescente della formazione e delle academy interne alle imprese. È un tema apparentemente meno spettacolare, ma decisivo: se il valore del Made in Italy passa anche attraverso le competenze delle sue maestranze, quel saper fare deve essere trasmesso alle nuove generazioni.

Le radici servono solo se continuiamo a farle crescere.


E poi, inevitabilmente, l’intelligenza artificiale

È stato probabilmente il tema più trasversale del Summit. La domanda, più o meno esplicitamente, era questa: fino a dove entrerà l’AI nella moda? Potremo avere, un giorno, anche un direttore creativo artificiale?

Il punto non è contrapporre creatività umana e intelligenza artificiale, ma capire come possano convivere e quale ruolo affidare a ciascuna.
L’AI è già uno strumento estremamente potente.
Può analizzare enormi quantità di dati, accelerare processi decisionali, supportare la supply chain, aiutare nella ricerca, nella personalizzazione, nella gestione dei contenuti e nell’organizzazione.

Il punto, però, è un altro. Generare non significa necessariamente creare.

Un sistema generativo può produrre moltissime immagini, combinare codici estetici, proporre variazioni, ricostruire stili. E può farlo con una velocità che nessun essere umano potrebbe eguagliare. Ma il lavoro creativo non consiste solo nel produrre possibilità. Consiste nel capire quale possibilità abbia senso scegliere.

Significa avere un’intenzione, costruire una direzione, leggere il proprio tempo e, a volte, andare deliberatamente contro ciò che il mercato sembra chiedere.

Durante il Summit è stato fatto un esempio che sintetizza bene il rapporto tra mercato e creatività. Si analizzano dati, tendenze, risultati, si consultano, come è giusto che sia, i commerciali. Poi magari arriva il creativo, cambia le carte in tavola e propone qualcosa che nessuno aveva previsto. E funziona proprio quello. È il disruptive, lo scarto inatteso.

Ed è forse qui che il confronto con l’intelligenza artificiale diventa davvero interessante. L’AI può analizzare ciò che esiste, individuare pattern, moltiplicare alternative e persino suggerire soluzioni sorprendenti. La differenza sta nel modo in cui quelle possibilità vengono interpretate e scelte. La creatività può anche decidere di rompere una regola prima ancora di sapere se funzionerà.

C’è una componente di intuizione, esperienza, cultura personale e persino di quella “follia” richiamata anche da Brunello Cucinelli che rende il processo creativo meno lineare e meno prevedibile.

Non è una rivendicazione romantica dell’uomo contro la macchina. Al contrario: l’AI può diventare uno strumento straordinario anche per chi progetta. Ma proprio perché rende sempre più facile produrre alternative, aumenta il valore di chi sa scegliere una direzione, darle coerenza e trasformarla in significato.


Creatività e AI: il rischio dell’uniformità

Una ricerca pubblicata su Science Advances ha studiato l’effetto dell’AI generativa sulla scrittura creativa. I partecipanti che potevano utilizzare idee generate dall’AI hanno prodotto, in media, racconti giudicati più creativi e meglio scritti, soprattutto quando partivano da una minore predisposizione creativa.

Allo stesso tempo, però, quei racconti tendevano ad assomigliarsi di più tra loro.
L’AI migliorava la performance individuale, ma diminuiva la varietà complessiva degli output.

Per chi lavora nella moda, nel design e, più in generale, in ambito creativo, è una questione tutt’altro che secondaria. Più che chiedersi se l’AI possa sostituire qualcosa o qualcuno, trovo più interessante osservare come cambia il processo creativo quando gli stessi strumenti vengono usati da tutti. Il rischio è che idee, immagini e linguaggi finiscano progressivamente per assomigliarsi.
Ma la creatività vive anche della capacità di sorprendere, stupire e, soprattutto, uscire dagli schemi.


Intelligenza artificiale, artigianale, emozionale

Al Summit si è parlato molto di intelligenza artificiale, ma non solo. Sono emersi anche concetti come intelligenza artigianale, intelligenza dell’anima e intelligenza emozionale/emotiva.

Alfonso Dolce, presidente e CEO di Dolce&Gabbana, ha parlato di “intelligenza dell’anima”, facendo riferimento anche a un recente Angelus di Papa Leone XIV sul valore delle relazioni umane e sulla necessità di andare oltre la sola logica del calcolo.

Un’impresa deve fare i conti con i numeri: produrre reddito, conoscere il mercato, organizzare, misurare. Ma un’impresa che lavora con moda, design, bellezza e immaginario non può vivere soltanto di calcolo.

Perché il calcolo può dirci moltissimo su ciò che è già successo. La creatività deve anche provare a immaginare ciò che ancora non c’è.


Le radici non sono nostalgia

Le nuove roads sono necessarie. L’intelligenza artificiale cambierà il nostro modo di lavorare, così come cambieranno il retail, la comunicazione, i mercati, gli strumenti e probabilmente molte professioni.

Ma ogni nuova strada acquista senso anche in relazione a ciò da cui parte. L’innovazione diventa interessante quando riesce a trasformare ciò che abbiamo ereditato in qualcosa che parla al presente.

Forse è proprio qui che Roads and Roots diventa qualcosa di più del titolo di un Summit. Le radici non sono un posto nel quale tornare. Sono ciò che permette di andare altrove senza perdere identità.

E oggi, mentre le macchine diventano sempre più capaci di generare, accelerare e prevedere, il compito di chi crea resta quello di scegliere, interpretare, sorprendere, dare significato.

L’AI può aprire moltissime nuove strade. Ma sapere quali vale la pena percorrere resta una questione profondamente umana.

Roads and Roots: Creativity, Know-How and Human Intelligence in a Changing Fashion Landscape


Two days, many voices, and one question that kept resurfacing in different forms: what still makes fashion truly desirable?

On 21 and 22 September, I attended the 25th Milano Fashion Global Summit in Milan, held in the striking setting of Torre Velasca and dedicated this year to the theme Roads and Roots. Roads and roots. Two words that capture the moment we are living through remarkably well.

On the one hand, there are the roads: artificial intelligence, new markets, an evolving retail landscape, e-commerce, beauty, hospitality, new experiences and new ways of engaging with consumers. On the other, there are the roots: product culture, manufacturing, territory, expertise, identity, memory. And creativity.

The real strength lies in allowing these two dimensions to grow together: innovation and technology on the one hand, product culture, expertise and identity on the other. And, above all, in the way they come together to shape something distinctive and contemporary.


A recovering industry in a very different world

The context is not an easy one. According to estimates presented by the Camera Nazionale della Moda Italiana, the sector is expected to close 2026 with revenues of around €91.4 billion, down 1.6% on 2025. Still a negative figure, but significantly better than the forecasts made at the beginning of the year. Geopolitical tensions, more cautious consumer spending and weaker exports continue to weigh on the market.

Carlo Capasa, President of the Camera Nazionale della Moda Italiana, focused on something that goes beyond the figures: innovation is essential and AI will become increasingly present, but fashion cannot afford to lose its human dimension, because ultimately it has to create emotion.

When a market slows down, the immediate response is often to talk about efficiency, distribution, costs and organisation. All of these matter. But fashion also depends on something far harder to measure: desire. And it is interesting that the concept of desirability came up repeatedly, although expressed from very different perspectives.


Luxury, desirability, excellence: perhaps the vocabulary itself is changing

Diego Della Valle shifts the conversation away from luxury and towards quality and desirability. At the Summit, he brought the focus back to know-how and to what he described as artisanal intelligence: AI can be useful, but machines cannot teach us creativity. Human beings must remain at the centre.

Brunello Cucinelli approaches artificial intelligence with openness. He associates AI with reason, while recognising in human beings that element of “madness” from which intuition, dreams and creativity can emerge. In his view, the two dimensions can coexist. When it comes to luxury, he also continues to place great value on exclusivity, seeing it as an important part of what gives a brand its value.

Luca de Meo, now at the helm of Kering after many years in the automotive industry, turns instead to another concept: excellence. For de Meo, creativity belongs to the entire value chain: it is not only about the people who imagine a collection, but also those who develop the product and those whose craftsmanship makes it possible.

The value of skilled craftspeople and manufacturing know-how was in fact one of the themes that surfaced repeatedly throughout the Summit: not as a legacy to be preserved for its own sake, but as a tangible part of a product’s quality and identity.

When price starts to lose its connection with perceived value, the answer is not simply to lower it. The product itself needs to offer more in terms of materials, innovation, service and creativity.

Three different languages — desirability, luxury, excellence — converging on a very concrete point: a high price alone does not create value. And today, even the strength of a brand may no longer be enough on its own. A product needs to give people a genuine reason to choose it.


The product is no longer enough. But without a strong product, experience is not enough either

Another word that came up repeatedly at the Summit was experience. Consumers have changed. They are better informed, more aware and probably harder to win over.

Valentina Corbetta of Veepee described an e-commerce landscape that is no longer simply a sales channel: it has become part of the relationship between brand and customer. Before a purchase is made, touchpoints multiply, and trust is built above all through consistency between what is promised and what actually happens after the click.

At the same time, the physical store is far from disappearing. Francesca Cattagni of Colliers pointed out that, despite the growth of e-commerce, physical retail continues to play a central role, while available spaces in prime shopping destinations are becoming increasingly limited. The store itself is changing its function. It is no longer simply somewhere to buy something, but a place where the brand takes physical form, through location, architecture, windows, layout, service and experience.

Even the outlet model reflects this transformation. Matteo Migani explained how Serravalle has grown from 60 to 240 stores over 26 years and gradually changed its identity: from a destination associated mainly with convenience to a genuine lifestyle destination. Price still matters, but today hospitality, services and the overall quality of the experience matter increasingly too.

Remo Ruffini, Chairman and CEO of Moncler, brought the discussion back to the brand itself: first comes the construction of a strong identity; retail and product must then allow customers to recognise themselves within that world. This is also where the value of an object comes from: not only from what it is, but from the values, images and meanings it is able to carry with it.


From fashion to lifestyle

The boundaries of the sector are becoming increasingly fluid. Beauty, hospitality, yachting, restaurants, wellness and longevity: areas that once seemed separate are increasingly becoming part of the strategies of major fashion and luxury brands.

Dolce&Gabbana, for example, has brought its beauty business in-house, also seeing it as a bridge towards younger generations. Alfonso Dolce spoke about beauty as an expression of lifestyle and cultural roots, emphasising the importance of territory and craftsmanship — the human labour and passion embodied in the product.

Gildo Zegna described a group increasingly focused on building a direct relationship with customers. The United States is now Zegna’s number-one market, and the stated goal is to move towards a mix of around 90% retail and 10% wholesale, while proudly maintaining its identity as a family business.

Giovanna Vitelli, President of Fondazione Altagamma, also highlighted the growing importance of training and in-house academies. It may sound like a less spectacular subject, but it is a crucial one: if the value of Made in Italy also depends on the expertise of its skilled workforce, that know-how has to be passed on to future generations.

Roots only matter if we keep helping them grow.


And then, inevitably, artificial intelligence

AI was probably the most transversal theme of the Summit. The question, more or less explicitly, was this: how far will AI enter the fashion industry? Could we one day even have an artificial creative director?

The point is not to set human creativity against artificial intelligence, but to understand how the two can coexist and what role we want each of them to play. AI is already an extremely powerful tool. It can analyse vast quantities of data, accelerate decision-making, support supply chains, assist research, enable personalisation, help manage content and improve organisation.

But there is another point to consider: generating is not necessarily the same as creating.

A generative system can produce huge numbers of images, combine aesthetic codes, suggest variations and reconstruct styles. And it can do so at a speed no human being could match. But creative work is not simply about producing possibilities. It is about understanding which possibility is worth choosing.

It means having an intention, building a direction, reading the present and, at times, deliberately going against what the market appears to be asking for.

An example shared during the Summit summed up the relationship between market logic and creativity particularly well. Data, trends and results are analysed; commercial teams are consulted, as they should be. Then a creative comes along, changes the rules of the game and proposes something nobody expected. And that is precisely what works. It is the disruptive element, the unexpected departure from the expected.

This is where the relationship with artificial intelligence becomes particularly interesting. AI can analyse what already exists, identify patterns, multiply alternatives and even suggest surprising solutions. The difference lies in how those possibilities are interpreted and chosen. Creativity can also mean deciding to break a rule before knowing whether that decision will work.

There is an element of intuition, experience, personal culture and even that “madness” mentioned by Brunello Cucinelli that makes the creative process less linear and less predictable.

This is not a romantic defence of human beings against machines. Quite the opposite: AI can become an extraordinary tool for designers and creatives. But precisely because it makes it increasingly easy to generate alternatives, the value of those who can choose a direction, give it coherence and turn it into meaning becomes even greater.


Creativity and AI: the risk of sameness

A study published in Science Advances examined the effects of generative AI on creative writing. Participants who were able to use AI-generated ideas produced, on average, stories that were rated as more creative and better written, particularly among those who began with lower levels of creative ability.

At the same time, however, those stories tended to become more similar to one another. AI improved individual performance while reducing the overall diversity of the outputs.

For anyone working in fashion, design or, more broadly, in creative fields, this is far from a minor issue. Rather than asking whether AI can replace something or someone, I find it more interesting to observe how the creative process changes when similar tools are used by everyone. The risk is that ideas, images and visual languages may gradually start to resemble one another.

But creativity also lives on the ability to surprise, amaze and, above all, break away from established patterns.


Artificial, artisanal and emotional intelligence

AI was discussed a great deal at the Summit, but it was not the only form of intelligence that came up. There was also talk of artisanal intelligence, intelligence of the soul and emotional intelligence.

Alfonso Dolce, President and CEO of Dolce&Gabbana, spoke of “intelligence of the soul”, also referring to a recent Angelus by Pope Leo XIV centred on the value of human relationships and the need to move beyond a purely calculating logic.

A business, of course, has to deal with numbers: it has to generate revenue, understand the market, organise and measure. But a company working with fashion, design, beauty and the imagination cannot live by calculation alone.

Calculation can tell us a great deal about what has already happened. Creativity must also try to imagine what does not yet exist.


Roots are not nostalgia

New roads are necessary. Artificial intelligence will change the way we work, just as retail, communication, markets, tools and probably many professions will change.

But every new road also draws meaning from where it begins. Innovation becomes interesting when it can transform what we have inherited into something that speaks to the present.

Perhaps this is where Roads and Roots becomes more than the title of a Summit. Roots are not somewhere to return to. They are what allow us to move forward without losing our identity.

And today, as machines become increasingly capable of generating, accelerating and predicting, the role of those who create remains one of choosing, interpreting, surprising and giving meaning.

AI can open up countless new roads. But deciding which ones are worth taking remains a profoundly human question.

Le ultime fiere di settore lo confermano: la moda del futuro è un intreccio tra sostenibilità, innovazione e una creatività sempre più sperimentale. Il design si libera dai vincoli del passato e si proietta verso una dimensione in cui la tradizione dialoga con la tecnologia, le forme si ridefiniscono e i materiali si trasformano in esperienze multisensoriali.
Milano Unica, fiera di riferimento dei tessuti e degli accessori di alta gamma per l'abbigliamento, ha tracciato una visione precisa con il concept "MU Land", un viaggio attraverso tre mondi stilistici che fondono realtà e immaginazione.
Rural – Land of Farm riscopre il legame con la natura, riportando in primo piano fibre grezze, tonalità calde e lavorazioni artigianali che profumano di autenticità. Zen – Land of Spirit si immerge nella leggerezza e nella fluidità, con materiali impalpabili e colori sfumati che evocano equilibrio e serenità. Underground – Land of Urban, invece, è un’ode alla sperimentazione, dove tessuti tecnologici, texture metalliche e silhouette avanguardistiche ridisegnano l'estetica metropolitana. È qui che il confine tra moda e innovazione si assottiglia, aprendo la strada a un linguaggio stilistico tutto nuovo.
Milano Fashion&Jewels (22-25 febbraio Fieramilano), con il progetto "Design Directions", in collaborazione con Poli.Design, anticipa le tendenze che ridefiniranno il concetto di stile nei prossimi anni. Un percorso visionario che si traduce in due direzioni chiave: Dreampact e Artisoul.
Dreampact ci porta in una dimensione sospesa tra sogno e realtà, dove natura e tecnologia si incontrano per creare scenari surreali. Luci, ombre e illusioni visive trasformano gli spazi, mentre il corpo diventa protagonista di una nuova narrazione estetica.
Artisoul, invece, è un tributo all’artigianato e alla tradizione. Texture grezze, dettagli fatti a mano e richiami al passato si fondono con il design contemporaneo, dimostrando che il futuro della moda non può prescindere dal valore della manualità e della creatività autentica.
Anche il denim si reinventa. Première Vision Denim segna una svolta nel settore, con un approccio sempre più circolare e sostenibile. I tessuti rigenerati, le tinture naturali e le innovazioni hi-tech ridefiniscono il concetto di performance, dimostrando che il jeanswear del futuro può essere sia funzionale che responsabile. Le silhouette diventano più rilassate, i volumi si ampliano e i colori si fanno più audaci, mentre il design si arricchisce di elementi destrutturati e dettagli sovrapposti, creando una nuova profondità visiva. È il denim che non smette di evolversi, mantenendo la sua essenza ma abbracciando un'estetica più fluida e dinamica.

Negli ultimi anni, in Italia, il settore della moda ha registrato una contrazione significativa, con una flessione del fatturato nel 2024 del -5,3%. Tessile, abbigliamento, calzature e pelletteria hanno subito cali importanti, una situazione che riflette non solo i cambiamenti nelle abitudini di consumo e l’evoluzione dei mercati globali, ma anche un contesto politico ed economico che ha contribuito a generare instabilità. Le politiche commerciali, le regolamentazioni sempre più stringenti e le tensioni economiche internazionali stanno ridefinendo le dinamiche del settore, imponendo nuove sfide alle aziende e ai brand che operano in questo mercato.
Ma la moda ha sempre dimostrato di sapersi reinventare, e questo momento non fa eccezione. Le soluzioni per rilanciare il settore passano dall’adozione di pratiche più sostenibili, dalla fusione tra artigianato e tecnologia e da un design sempre più esperienziale. La personalizzazione, il valore dell’unicità e l’uso di materiali innovativi potrebbero aprire nuovi scenari e conquistare un pubblico sempre più attento e consapevole.
Un’altra leva strategica? Le collaborazioni tra brand. Le sinergie tra marchi, magari provenienti da settori differenti, possono dare vita a capsule collection esclusive e limited edition capaci di catturare l’attenzione di un pubblico più ampio.
L’incontro tra materiali innovativi e lavorazioni tradizionali, le contaminazioni tra mondi creativi diversi e le edizioni speciali possono trasformarsi in un potente strumento per rilanciare il mercato.
Le nuove tendenze non sono solo ispirazioni stilistiche, ma vere e proprie strategie per ripensare il settore e proiettarlo verso nuove opportunità. La moda è energia in costante evoluzione. Si nutre di visione, di audacia e di cambiamento. Ogni epoca riscrive il suo stile, e proprio nella capacità di guardare avanti senza dimenticare le radici che può nascere l’innovazione.

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Spring/Summer 2026 - Fashion Trends: A Fusion of Nature, Technology, and Experimentation

The latest industry events have made one thing clear: the future of fashion is a bold mix of sustainability, innovation, and creative experimentation. Design is breaking free from tradition, stepping into a realm where heritage meets technology, silhouettes are redefined, and materials evolve into multisensory experiences.
Milano Unica, leading trade show for fashion fabrics and accessories, has set the tone with its "MU Land" concept, a journey through three stylistic worlds that merge reality and imagination.
Rural – Land of Farm reconnects with nature, spotlighting raw fibers, earthy tones, and artisanal craftsmanship.
Zen – Land of Spirit embraces lightness and fluidity, featuring delicate materials and soft hues that evoke a sense of balance and serenity. Underground – Land of Urban, meanwhile, is an ode to experimentation, where tech fabrics, metallic textures, and avant-garde silhouettes reshape urban aesthetics. Here, the line between fashion and innovation fades, making way for a new visual language.
Milano Fashion&Jewels (February 22-25, Fieramilano), through its "Design Directions" project in collaboration with Poli.Design, forecasts the trends that will redefine style in the years to come. This visionary path unfolds in two key directions: Dreampact and Artisoul. Dreampact transports us into a dimension where dream and reality blend, with nature and technology coming together to craft surreal landscapes. Light, shadow, and optical illusions transform spaces, while the body takes center stage in a new aesthetic narrative.
Artisoul, on the other hand, pays tribute to craftsmanship and tradition. Rough textures, handcrafted details, and references to the past seamlessly merge with contemporary design, proving that the future of fashion is deeply rooted in artisanal expertise and authentic creativity.
Denim is also undergoing a transformation. Première Vision Denim is pushing the industry towards circularity and sustainability. Regenerated fabrics, natural dyes, and high-tech innovations are reshaping performance, proving that the jeanswear of tomorrow can be both functional and responsible. Silhouettes are becoming more relaxed, volumes more generous, and colors bolder, while deconstructed details and layered compositions add depth. Denim never stops evolving.
It stays true to its essence while embracing a fluid, dynamic aesthetic.

Italian fashion industry has faced a significant downturn in recent years, marking a decline of 5,3% in 2024. The textile, apparel, footwear, and leather goods sectors have seen substantial losses, reflecting not only shifts in consumer behavior and global market dynamics but also a political and economic climate that has fueled instability. Trade policies, stricter regulations, and global economic tensions are reshaping the landscape, presenting fresh challenges for brands and businesses.
Yet, fashion has always found ways to reinvent itself, and this moment is no different. The key to revitalization lies in sustainable innovation, a seamless blend of craftsmanship and technology, and an increasingly immersive approach to design. Personalization, exclusivity, and cutting-edge materials could unlock new possibilities, attracting consumers who seek authenticity and deeper connections with the products they choose.
Another major driver of change? Brand collaborations. Partnerships across industries are paving the way for exclusive capsule collections and limited editions that capture attention and drive engagement. The fusion of innovative materials with traditional techniques, the blending of creative worlds, and the rise of special edition releases are proving to be powerful strategies for reinvigorating the market.
New trends are more than just style cues—they are strategic tools to reshape the industry and uncover fresh opportunities.
Fashion is a force in constant motion. It thrives on vision, boldness, and transformation. Each era reinvents its aesthetic, and it is in the ability to push forward without losing sight of its roots that true innovation emerges.


#SpringSummer2026 #FashionTrends #SustainableFashion #DesignInnovation #FashionBusiness #MilanoUnica #MadeinItaly

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​As a multidisciplinary designer, I’m always intrigued by how fashion connects with other creative fields.
The Spring/Summer 2025 fashion weeks in Milan and Paris were a perfect example of this synergy, showing that fashion isn’t just about clothing—it’s about telling stories and reflecting culture. This season, fashion houses took it to the next level with a brilliant fusion of pop culture, nostalgia, and strategic licensing collaborations.
Let’s dive into how these elements came together, turning the runway into a celebration of creativity and innovation.

Fashion and Pop Culture: A Perfect Pairing
Fashion and pop culture have always gone hand in hand, but this season, Coperni’s collaboration with Disneyland Paris really stole the spotlight. The brand took us on a visual journey, blending its sleek, futuristic designs with the magic of Disney. Hosting the show at Disneyland wasn’t just bold—it was an immersive experience that attracted not only fashion insiders but also Disney fans and pop culture enthusiasts. It broadened the runway’s appeal, making it a truly memorable event.
Moschino, on the other hand, stayed true to its playful spirit. Under Adrian Appiolaza’s creative direction, the collection paid tribute to Franco Moschino’s legacy by mixing bold, satirical elements with a nostalgic twist. The designs felt like pop culture on overdrive, featuring oversized accessories and playful entertainment references.

Nostalgia: Bringing the Past to Life
This season, nostalgia played a major role in creating emotional connections with audiences. Gucci, for instance, brought back the timeless elegance of Jackie Onassis with oversized sunglasses and her iconic bags. But it wasn’t just about reviving the past—Sabato De Sarno skillfully transformed these elements to fit today’s world, giving his collection a timeless glamour while keeping it fresh and modern.
Similarly, Dolce & Gabbana paid homage to the golden age of Hollywood, channeling the allure of icons like Marilyn Monroe and Madonna. Their runway felt like a luxurious nod to old cinema and pop culture, updated with a contemporary, seductive edge. Picture iconic bullet bras and lingerie-inspired pieces, brought to life with modern craftsmanship and a fresh take on femininity.
Missoni, meanwhile, revived its legendary zigzag pattern but in a way we’ve never seen before. The brand reimagined its signature print with bold, spiky 3D shapes, proving that classic designs can be reenergized through technology and innovation. This creative move not only paid homage to Missoni’s heritage but also struck a chord with both long-time fans and new audiences, bridging generations through design.

​The Future of Fashion-Entertainment Collaborations
This season made one thing clear: collaborations between fashion and entertainment are more than just a trend—they’re a creative movement. Whether it’s Coperni’s Disney partnership or the nostalgic nods to icons like Jackie Onassis, Marilyn Monroe, and Madonna, the fusion of pop culture and fashion is creating runway moments that go beyond the fashion industry.
These collaborations are drawing new audiences into high fashion, making it more dynamic, inclusive, and accessible.

​As a designer, it’s clear that the future of fashion lies in this intersection of creative industries. By blending nostalgia, pop culture, and smart business collaborations, fashion is transforming the runway into a stage for storytelling, emotional engagement, and brand evolution. These collaborations are redefining how brands connect with global audiences, reaching far beyond traditional fashion lovers to fans of entertainment and pop culture.
Whether it’s hosting shows at iconic venues like Disneyland or drawing inspiration from cinema and media, fashion is no longer just about clothes—it’s about creating multi-sensory experiences that resonate across generations.
Looking ahead, one thing is for sure: the lines between fashion, entertainment, and culture will continue to blur, creating exciting new possibilities.


#Fashion2025 #SpringSummer2025 #FashionWeek #MilanFashionWeek #ParisFashionWeek #DesignInnovation #CreativeCollaboration #Fashiondesign

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La Moda tra Cultura Pop, Nostalgia e Collaborazioni: Sfilate P/E 2025


Come designer multidisciplinare, considero la moda una piattaforma ideale per far convergere creatività e cultura.
Le settimane della moda Primavera/Estate 2025 di Milano e Parigi hanno dimostrato come il fashion business vada oltre la semplice creazione di abiti, evolvendo in un'espressione artistica capace di raccontare storie e riflettere i cambiamenti culturali. Quest’anno, la fusione tra cultura pop, nostalgia e collaborazioni strategiche ha trasformato le passerelle in autentici spettacoli di intrattenimento.

Moda e Cultura Pop: Un Connubio Vincente
Il legame tra moda e cultura pop non è certo una novità, ma quest’anno ne abbiamo avuto un esempio perfetto con la collaborazione tra Coperni e Disneyland Paris. Immaginate di essere immersi in un universo visivo in cui i design futuristici e minimalisti di Coperni si fondono con il mondo magico di Disney. Sfilare a Disneyland è stata una scelta audace e geniale, capace di attirare non solo gli appassionati di moda, ma anche i fan di Disney e della cultura pop, offrendo un’esperienza davvero unica e coinvolgente.
Moschino, come da tradizione, ha mantenuto il suo spirito ironico e provocatorio. Sotto la direzione di Adrian Appiolaza, la collezione ha reso omaggio all’eredità di Franco Moschino, mescolando ironia e audacia con un tocco di nostalgia. Gli accessori oversize e i riferimenti espliciti al mondo dell’intrattenimento hanno trasformato la sfilata in una vera celebrazione della pop culture.

Nostalgia: Il Fascino del Passato
Molti stilisti quest’anno hanno scelto di rivisitare il passato, utilizzando la nostalgia come chiave creativa per creare un legame emotivo con il pubblico. Gucci, ad esempio, ha riportato in auge l’eleganza senza tempo di Jackie Kennedy Onassis, con occhiali da sole oversize e le sue iconiche borse. Tuttavia, Sabato De Sarno è riuscito a fare molto di più di un semplice revival: ha reinterpretato questi elementi con un approccio contemporaneo, conferendo alla collezione un’aura di glamour classico, ma assolutamente attuale.
Dolce & Gabbana ha seguito una strada simile, omaggiando il glamour di Hollywood e icone degli anni ’80 come Marilyn Monroe e Madonna. La loro passerella è stata un trionfo di lusso e sensualità, con capi ispirati alla lingerie, rivisitati grazie a una maestria artigianale moderna che celebra una femminilità audace e contemporanea.
Non possiamo dimenticare Missoni, che ha saputo rinnovare il suo celebre motivo a zigzag, trasformandolo in forme 3D innovative. Questo esempio dimostra come il dialogo tra passato e futuro possa dare nuova energia a un design iconico, creando un ponte tra le generazioni e offrendo qualcosa di nuovo anche a chi ama la tradizione.

​Moda e Intrattenimento: Il Futuro delle Collaborazioni
Le sfilate di Milano e Parigi di quest’anno hanno sottolineato quanto sia forte il legame tra moda e intrattenimento, un connubio che appare destinato a crescere. Dalla collaborazione tra Coperni e Disney agli omaggi nostalgici a icone come Jackie Onassis, Marilyn Monroe e Madonna, la fusione tra cultura pop e moda ha creato momenti che vanno oltre la semplice presentazione di abiti. Questi crossover aprono la moda a un pubblico più ampio, rendendola più accessibile e dinamica.

Guardando al futuro, è evidente che la moda continuerà a evolversi grazie a queste contaminazioni tra diverse industrie creative. Nostalgia, cultura pop e collaborazioni strategiche non stanno solo ridefinendo le passerelle, ma le stanno trasformando in spazi narrativi pensati per coinvolgere ed emozionare il pubblico.
​Moda, intrattenimento e cultura si intrecciano sempre di più, dando vita a esperienze multisensoriali che parlano a generazioni diverse, ridefinendo costantemente i confini del design.

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