​All’Osservatorio Altagamma 2024 di Milano è emerso un dato chiaro: il settore del lusso sta vivendo una fase di flessione.
Il mercato globale dell’alto di gamma ha raggiunto un valore complessivo di 1.478 miliardi di euro, registrando un calo del 2% rispetto all’anno precedente. Questa contrazione si è manifestata in modo evidente soprattutto in Asia, con la Cina in difficoltà, mentre il Giappone ha mostrato una performance più positiva. Parallelamente, cresce il lusso esperienziale, con un incremento del 5%, segno che i consumatori cercano autenticità e unicità nelle loro esperienze di acquisto.

​Questi dati tracciano un quadro complesso ma ricco di opportunità, spingendo l’intero settore a interrogarsi su come innovare e restituire valore reale ai prodotti. Il futuro del lusso non può limitarsi alla tecnologia o all’inseguimento di trend effimeri. È necessario riscoprire e valorizzare ciò che rende davvero unico un prodotto: l’artigianalità, il know-how e quella capacità tutta italiana di tradurre il nostro straordinario patrimonio culturale in oggetti di design contemporaneo e distintivo.

Il patrimonio culturale come leva per il lusso

L’Italia non è solo la patria del Made in Italy: è un laboratorio vivo di cultura, arte e bellezza. Il nostro patrimonio artistico e storico, tuttora riconosciuto e ammirato in tutto il mondo, rappresenta una risorsa straordinaria per il settore del lusso.
Questa eredità culturale non deve restare confinata ai musei; può e deve essere tradotta in prodotti che parlano al presente, creando un ponte tra passato e futuro. Il lusso italiano non è solo un oggetto, ma un racconto: una narrazione che intreccia maestria artigiana, innovazione tecnologica e un profondo legame con la nostra storia.

La forza dell’artigianalità italiana

Secondo i dati della CNA (Confederazione Nazionale dell'Artigianato), le imprese artigiane rappresentano oltre il 21% del tessuto imprenditoriale nazionale, coinvolgendo circa 2,6 milioni di lavoratori. Tuttavia, durante l’assemblea annuale della CNA, svoltasi a Roma il 15 novembre, è emerso un paradosso significativo: c’è sempre più bisogno di giovani artigiani, ma è sempre più difficile trovarli nel contesto dell’inverno demografico in cui si trova il nostro Paese.
Resta il fatto che il tessuto artigianale italiano sia una vera ricchezza, non solo numerica, ma simbolica: riflette una tradizione che unisce tecnica, passione e creatività. L’artigianato italiano non è solo una professione, ma un’espressione d’arte che affonda le sue radici in secoli di eccellenza.
In un mondo sempre più omologato, distinguersi significa puntare su ciò che altri non possono replicare. È l’unicità del nostro Made in Italy, che nasce non solo dall’eccellenza produttiva, ma dalla capacità di raccontare storie autentiche attraverso i prodotti.

Innovazione, tradizione e il ruolo dell’intelligenza artificiale

​Il lusso del futuro dovrebbe scavare paradossalmente nella storia, unendo innovazione e tradizione. Non come binari paralleli, ma come due elementi complementari che si rafforzano a vicenda. In un momento di crisi, recuperare l’autenticità non è solo una strategia, ma un’opportunità per ridefinire il valore reale di ciò che creiamo.
Oggi, l’intelligenza artificiale si sta ritagliando un ruolo sempre più rilevante, anche nel mondo del lusso. L’IA è uno strumento potente, capace di analizzare i mercati globali, prevedere le tendenze e persino personalizzare le esperienze di acquisto. Tuttavia, non può replicare ciò che rende unico un prodotto italiano: la connessione emotiva, culturale e artistica che nasce dal nostro patrimonio e dalla nostra maestria artigianale.
Il futuro del lusso non si limita a sfruttare nuove tecnologie per esplorare mercati emergenti. Richiede una visione che vada oltre, integrando l’elemento umano, emotivo e narrativo. È qui che possiamo distinguere i nostri prodotti, rendendoli non solo desiderabili, ma portatori di un’identità unica e irripetibile.

Manuela Mazzanti

#MercatoDelLusso #Altagamma2024 #Insights #ArtigianalitàItaliana #MadeInItaly #ItalianCraftsmanship #DesignItaliano #InnovazioneETradizione

​ENGLISH version

The Future of Luxury: Innovation, Tradition, and the Unique Value of Made in Italy

At the 2024 Altagamma Observatory in Milan, a clear trend emerged: the luxury sector is experiencing a slowdown.
The global high-end market reached a total value of €1.478 billion, marking a 2% decline compared to the previous year. This contraction was particularly evident in Asia, where China is facing challenges, while Japan has demonstrated a more positive performance. At the same time, experiential luxury is growing, with a 5% increase, signaling that consumers increasingly seek authenticity and uniqueness in their purchasing experiences.

​This data paints a complex yet opportunity-filled picture, urging the entire industry to reflect on how to innovate and deliver real value to products. I believe the future of luxury cannot rely solely on technology or the pursuit of fleeting trends. Instead, it requires rediscovering and enhancing what truly makes a product unique: craftsmanship, expertise, and the distinctly Italian ability to translate our extraordinary cultural heritage into contemporary, distinctive designs.

Cultural Heritage as a Lever for Luxury

Italy is not just the birthplace of Made in Italy; it is a living laboratory of culture, art, and beauty. Our artistic and historical heritage, still widely recognized and admired worldwide, is an extraordinary asset for the luxury sector.
This legacy must not remain confined to museums but should instead be translated into products that resonate with the present, building a bridge between the past and the future. Italian luxury is not just a product; it is a story: a narrative that weaves together artisanal mastery, technological innovation, and a profound connection to our history.

The Strength of Italian Craftsmanship

According to CNA (National Confederation of Crafts and SMEs), artisanal businesses represent over 21% of the Italian entrepreneurial fabric, employing around 2.6 million workers. However, during CNA’s annual assembly in Rome on November 15th, a significant paradox was highlighted: there is a growing need for young artisans, but finding them is becoming increasingly difficult.
This richness in Italy’s artisanal ecosystem is not just about numbers; it is symbolic. It reflects a tradition that combines skill, passion, and creativity. Italian craftsmanship is not just a profession; it is an art form rooted in centuries of excellence.
In an increasingly homogenized world, standing out means focusing on what others cannot replicate. This is the essence of Made in Italy, born not only from production excellence but also from the ability to tell authentic stories through products.

Innovation, Tradition, and the Role of Artificial Intelligence

​The future of luxury should paradoxically delve into history, uniting innovation and tradition. Not as parallel tracks, but as complementary forces that strengthen one another. In a time of crisis, reclaiming authenticity is not just a strategy—it is an opportunity to redefine the real value of what we create.
Today, artificial intelligence is carving out an increasingly prominent role in the luxury sector. AI is a powerful tool, capable of analyzing global markets, predicting trends, and even personalizing shopping experiences. Yet, it cannot replicate what makes an Italian product unique: the emotional, cultural, and artistic connection born from our heritage and artisanal mastery.
The future of luxury is not about merely leveraging new technologies to explore emerging markets. It requires a vision that transcends, integrating the human, emotional, and narrative elements. This is where we can truly differentiate our products, making them not only desirable but imbued with an unmatched and unrepeatable identity.

Manuela Mazzanti

​#LuxuryMarket #ItalianCraftsmanship #Altagamma2024 #Insights #MadeInItaly #InnovationAndTradition #Italiandesign 

(ITALIAN VERSION: in the bottom)

Motorbikes have long been admired for their speed, performance, and rugged appeal, but over the years, they’ve also become icons of design and culture. While many might think of motorcycles as purely functional machines, the influence of visionary designers from fields like fashion, architecture, and industrial design has elevated them to objects of beauty, innovation, and personal expression.
These creative polymaths have taken on the challenge of two wheels, transforming motorbike design into a fascinating blend of artistic aesthetics, technology, and luxury.

1. Philippe Starck x Aprilia Moto 6.5: The Minimalist’s Approach
In 1995, celebrated designer Philippe Starck took his signature minimalism into the motorbike world by collaborating with Aprilia to create the Moto 6.5. Known for his innovative and sleek furniture and interior designs, Starck brought a different perspective to motorcycle design, creating a bike that appealed to urban users rather than hardcore bikers. With its sculptural lines and smooth curves, the Moto 6.5 was designed to stand out in the city as a stylish, artistic object. Starck’s vision was not about speed or rugged performance but about elevating the motorcycle’s aesthetic appeal.

2. Massimo Tamburini: The Architect of Motorcycle Masterpieces
Massimo Tamburini, often regarded as one of the most influential motorcycle designers, took a holistic approach to designing motorcycles, combining mechanical excellence with artistic beauty. His work on the Ducati 916 and MV Agusta F4 set new standards for both performance and aesthetics in the motorcycle world. Tamburini treated motorcycles much like an architect designs a building, meticulously considering every element—from the aerodynamics to the balance and weight distribution. His designs, which are celebrated for their harmony between form and function, have become iconic within the industry.

3. Giorgetto Giugiaro x Ducati 860 GT: Blending Automotive with Motorcycle Design
Renowned for his work in automotive design, Giorgetto Giugiaro made significant contributions to motorcycle design in the 1970s with his work on the Ducati 860 GT and Suzuki RE5. Known for his modernist approach to car design, Giugiaro brought a new, angular aesthetic to motorcycles, moving away from the traditional curved forms of the past. His designs featured sharp, geometric lines, giving motorbikes a contemporary, automotive-inspired look. Giugiaro’s work highlighted how principles from car design could successfully be adapted to the world of motorcycles.

4. Luigi Colani: A Futuristic Vision for Motorbikes
Renowned for his biomorphic and futuristic designs, Luigi Colani brought an entirely new perspective to motorbike design, far removed from traditional aesthetics. Colani, whose work spanned cars, planes, and furniture, applied his radical, organic shapes to motorcycle concepts that looked more like they were from the future than the present. His motorbike designs featured flowing, aerodynamic lines that pushed the boundaries of what motorcycles could look like. While many of his concepts were too avant-garde for mass production, they sparked new ways of thinking about both form and function in motorbike design. Colani’s vision challenged the conventional, offering a glimpse into what motorbikes might look like in a more futuristic world.

5. Vespa’s Fashion Collaborations: Merging Style with Mobility
Vespa has long been synonymous with style, and its collaborations with fashion designers have further solidified its status as a cultural icon. In the early 2000s, Vespa worked with designers such as Vivienne Westwood, Donna Karan, Givenchy, and Dolce & Gabbana on custom versions of the Vespa ET, blending high fashion with functional design. More recently, collaborations with brands like Emporio Armani, Christian Dior, and Sean Wotherspoon on the Vespa 946 have brought a fresh, modern edge to the scooter’s iconic design. These partnerships demonstrate Vespa’s ability to bridge the worlds of fashion and mobility, making scooters not just practical but highly stylish vehicles.

6. Diesel x Ducati: Fashion Meets Performance
In 2012, Diesel and Ducati joined forces to create a special edition of the Ducati Monster 1100 EVO. This collaboration infused Ducati’s high-performance engineering with Diesel’s industrial-inspired aesthetic. The bike featured a matte green finish, military-inspired graphics, and rugged design elements, capturing both Diesel’s edgy brand identity and Ducati’s commitment to power and speed. This partnership successfully combined fashion-forward design with top-tier motorcycle performance, making it a standout collaboration in the motorbike industry.

7. Hermès x Yamaha VMax: A Fusion of Luxury and Power
In one of the most unexpected yet luxurious collaborations, Hermès, the renowned leather goods maker, teamed up with Yamaha to create a concept version of the Yamaha VMax. This collaboration wrapped the powerful VMax in Hermès’ signature leather, covering the seat, grips, and tank, transforming the motorcycle into a symbol of both performance and craftsmanship. By blending the raw power of the VMax with the luxury of Hermès’ high-end materials, this partnership showcased how motorcycles can be elevated to luxury status.

8. Paul Smith x Triumph: A Bold Take on Tradition
British designer Paul Smith brought his signature playful aesthetic to Triumph’s classic Bonneville T100 model. His design featured bold, multi-colored stripes that contrasted with the traditional, minimalist look of the bike, injecting a sense of fun and creativity into the timeless model. This collaboration exemplified how the intersection of fashion and motorcycle design can result in bold, unique creations that make a lasting impression on both industries.

9. Alviero Martini x Aprilia Scarabeo 200: Mapping Out a Unique Ride
Fashion designer Alviero Martini, known for his map-print leather accessories, created a special edition of the Aprilia Scarabeo 200, featuring his signature map designs on the seat and bags. This collaboration blended fashion with functionality, offering riders a stylish, travel-inspired look that emphasized both practicality and elegance. It was an excellent example of how a motorbike could become a canvas for personal expression and luxury craftsmanship.


Conclusion: The Fusion of Creative Worlds
Whether they come from fashion, architecture, or industrial design, these polymath designers have brought their unique sensibilities to the world of motorbikes. Their contributions go beyond mere aesthetics, showing how design principles can transcend mediums. By merging form, function, and an eye for beauty, they’ve redefined the way we think about motorbikes—not just as vehicles, but as objects of desire and art.
As motorbikes continue to evolve, perhaps the next great innovation will come from an unexpected place—maybe from the mind of a fashion designer, an architect, or another visionary polymath.

#MotorbikeDesign #DesignInnovation #FashionDesign #IndustrialDesign #DesignCollaborations #brandinnovation #Eicma2024

​ITALIAN VERSION

​"OLTRE I CONFINI DEL DESIGN: Visionari di Moda, Architettura e Design Industriale che hanno ridefinito il concept estetico della moto"


Le moto hanno da tempo superato il loro scopo originario di semplici mezzi di trasporto, emergendo come simboli di stile, innovazione e design. Sebbene il mondo delle motorbikes sembri dominato da ingegneri e meccanici, spesso sono stati visionari provenienti da campi inaspettati—moda, architettura e design industriale—a ridefinire il modo in cui concepiamo questi veicoli. Portando nuove estetiche, materiali e prospettive, questi designer hanno lasciato un segno indelebile nel design motociclistico, trasformando mezzi funzionali in autentiche opere d'arte.

1. Philippe Starck x Aprilia Moto 6.5: L'Approccio Minimalista
Nel 1995, il celebre designer Philippe Starck portò il suo tratto distintivo minimalista nel mondo delle moto, collaborando con Aprilia per creare il modello 6.5. Conosciuto per i suoi progetti innovativi e lineari nell'arredamento e nel design d'interni, Starck ha introdotto una prospettiva diversa nel design motociclistico, creando una moto attraente per utenti urbani piuttosto che per motociclisti hardcore. Con le sue linee scultoree e curve fluide, la Moto 6.5 è stata progettata per distinguersi in città come un oggetto artistico e di stile. La visione di Starck non riguardava la velocità o le prestazioni robuste, ma piuttosto l'elevazione estetica della motocicletta.

2. Massimo Tamburini: L'Architetto dei Capolavori Motociclistici
Massimo Tamburini, spesso considerato uno dei designer di motociclette più influenti, adottò un approccio olistico al design motociclistico, combinando l'eccellenza meccanica con la bellezza artistica. Il suo lavoro sulla Ducati 916 e la MV Agusta F4 stabilì nuovi standard sia per le prestazioni che per l'estetica nel mondo delle moto. Tamburini trattava le moto come un architetto progetta un edificio, considerando meticolosamente ogni elemento—dall'aerodinamica all'equilibrio e alla distribuzione del peso. I suoi progetti, celebrati per l'armonia tra forma e funzione, sono diventati iconici nel settore.

3. Giorgetto Giugiaro x Ducati 860 GT: Unione tra Design Automobilistico e Motociclistico
Rinomato per il suo lavoro nel design automobilistico, Giorgetto Giugiaro diede un significativo contributo al design motociclistico negli anni '70, lavorando sulla Ducati 860 GT e sulla Suzuki RE5. Conosciuto per il suo approccio modernista al design automobilistico, Giugiaro portò una nuova estetica angolare alle moto, allontanandosi dalle forme curve tradizionali del passato. I suoi progetti presentavano linee nette e geometriche, conferendo alle motociclette un aspetto contemporaneo ispirato al mondo automobilistico. Il lavoro di Giugiaro ha evidenziato come i principi del design automobilistico potessero essere adattati con successo al mondo delle motociclette.

4. Luigi Colani: Una Visione Futuristica per le Moto
Rinomato per i suoi design biomorfici e futuristici, Luigi Colani portò una prospettiva completamente nuova nel design delle moto, lontana dalle estetiche tradizionali. Colani, il cui lavoro spaziava dalle automobili agli aerei e ai mobili, applicò le sue forme radicali e organiche ai concetti motociclistici, che sembravano più provenienti dal futuro che legati al presente. I suoi concept di moto presentavano linee fluide e aerodinamiche che sfidavano i limiti di ciò che le motociclette potevano sembrare. Sebbene molti dei suoi concetti fossero troppo avanguardisti per la produzione di massa, hanno ispirato nuovi modi di pensare sia alla forma che alla funzione nel design motociclistico. La visione di Colani sfidava il convenzionale, offrendo uno sguardo su come potrebbero apparire le moto in un futuro più lontano.

5. Le Collaborazioni del Marchio Vespa con la Moda: Fusione di Stile e Mobilità
Vespa è da tempo sinonimo di stile, e le sue collaborazioni con i designer di moda hanno ulteriormente consolidato il suo status di icona culturale. Nei primi anni 2000, Vespa ha collaborato con stilisti come Vivienne Westwood, Donna Karan, Givenchy e Dolce & Gabbana per versioni personalizzate della Vespa ET, fondendo l'alta moda con il design funzionale. Più recentemente, collaborazioni con marchi come Emporio Armani, Christian Dior e Sean Wotherspoon sulla Vespa 946 hanno portato un tocco fresco e moderno al design iconico dello scooter. Queste partnership dimostrano la capacità di Vespa di unire i mondi della moda e della mobilità, rendendo gli scooter non solo pratici, ma anche veicoli di tendenza.

6. Diesel x Ducati: La Moda Incontra le Prestazioni
Nel 2012, Diesel e Ducati unirono le forze per creare un'edizione speciale della Ducati Monster 1100 EVO. Questa collaborazione ha infuso l'ingegneria ad alte prestazioni di Ducati con l'estetica industriale ispirata al marchio Diesel. La moto presentava una finitura verde opaca, grafiche ispirate al mondo militare e un design grintoso, catturando sia l'identità forte e distintiva del marchio Diesel che l'impegno di Ducati per potenza e velocità. Questa partnership ha combinato con successo il design alla moda con le prestazioni motociclistiche di alto livello, diventando una collaborazione di spicco nell'industria motociclistica.

7. Hermès x Yamaha VMax: Una Fusione di Lusso e Potenza
In una delle collaborazioni più inaspettate e luxury, Hermès, il rinomato produttore di accessori e pelletteria, si è unito a Yamaha per dare forma a una versione concettuale della Yamaha VMax. Il risultato di questa collaborazione è stato un restyling della potente VMax con la pelle caratteristica di Hermès, che rivestiva sedile, manopole e serbatoio, trasformando la moto in un simbolo sia di prestazioni che di artigianato. Unendo la potenza aggressiva della VMax con il lusso dei materiali di alta gamma di Hermès, questa partnership ha dimostrato come le motociclette possano essere elevate a simboli di lusso.

​8. Paul Smith x Triumph: Una Visione Audace della Tradizione
Il designer britannico Paul Smith ha portato il suo caratteristico stile giocoso alla classica Triumph Bonneville T100. Il suo design presentava audaci strisce multicolori che contrastavano con l'aspetto tradizionale e minimalista della moto, aggiungendo un tocco giocoso e creatività in un modello senza tempo. Questa collaborazione ha esemplificato come l'intersezione tra moda e design motociclistico possa dar vita a creazioni audaci e uniche, capaci di lasciare un'impronta duratura in entrambi i settori.

​9. Alviero Martini x Aprilia Scarabeo 200: Tracciare un Viaggio Unico
Lo stilista Alviero Martini, noto per i suoi accessori in pelle con stampe geografiche, ha creato un'edizione speciale dell'Aprilia Scarabeo 200, applicando i suoi disegni distintivi su sedile e borse. Questa collaborazione ha unito moda e funzionalità, offrendo ai motociclisti uno stile elegante e ispirato al viaggio, che enfatizzava sia la praticità che l'eleganza. È stato un eccellente esempio di come una moto possa trasformarsi in una “tela” per esprimere tanto la creatività personale quanto l'eccellenza artigianale di lusso.

​Conclusione: La Fusione di Mondi Creativi
Che provengano dalla moda, dall'architettura o dal design industriale, questi designer poliedrici hanno introdotto le loro sensibilità uniche nel mondo delle moto. I loro contributi superano la pura estetica, dimostrando come i principi del design possano attraversare i confini dei diversi media. Combinando forma, funzione e una profonda attenzione alla bellezza, hanno ridefinito il modo di concepire le moto—non più semplici veicoli, ma veri e propri oggetti di desiderio e d'arte.
Con l'evoluzione del mondo motociclistico, forse la prossima grande innovazione arriverà da un ambito inaspettato—magari ancora dalla mente di un designer di moda, di un architetto o di un altro visionario poliedrico.


​#MotorbikeDesign #DesignInnovation #FashionDesign #IndustrialDesign #DesignCollaborations #Brandinnovation #Eicma2024

​
​As a multidisciplinary designer, I’m always intrigued by how fashion connects with other creative fields.
The Spring/Summer 2025 fashion weeks in Milan and Paris were a perfect example of this synergy, showing that fashion isn’t just about clothing—it’s about telling stories and reflecting culture. This season, fashion houses took it to the next level with a brilliant fusion of pop culture, nostalgia, and strategic licensing collaborations.
Let’s dive into how these elements came together, turning the runway into a celebration of creativity and innovation.

Fashion and Pop Culture: A Perfect Pairing
Fashion and pop culture have always gone hand in hand, but this season, Coperni’s collaboration with Disneyland Paris really stole the spotlight. The brand took us on a visual journey, blending its sleek, futuristic designs with the magic of Disney. Hosting the show at Disneyland wasn’t just bold—it was an immersive experience that attracted not only fashion insiders but also Disney fans and pop culture enthusiasts. It broadened the runway’s appeal, making it a truly memorable event.
Moschino, on the other hand, stayed true to its playful spirit. Under Adrian Appiolaza’s creative direction, the collection paid tribute to Franco Moschino’s legacy by mixing bold, satirical elements with a nostalgic twist. The designs felt like pop culture on overdrive, featuring oversized accessories and playful entertainment references.

Nostalgia: Bringing the Past to Life
This season, nostalgia played a major role in creating emotional connections with audiences. Gucci, for instance, brought back the timeless elegance of Jackie Onassis with oversized sunglasses and her iconic bags. But it wasn’t just about reviving the past—Sabato De Sarno skillfully transformed these elements to fit today’s world, giving his collection a timeless glamour while keeping it fresh and modern.
Similarly, Dolce & Gabbana paid homage to the golden age of Hollywood, channeling the allure of icons like Marilyn Monroe and Madonna. Their runway felt like a luxurious nod to old cinema and pop culture, updated with a contemporary, seductive edge. Picture iconic bullet bras and lingerie-inspired pieces, brought to life with modern craftsmanship and a fresh take on femininity.
Missoni, meanwhile, revived its legendary zigzag pattern but in a way we’ve never seen before. The brand reimagined its signature print with bold, spiky 3D shapes, proving that classic designs can be reenergized through technology and innovation. This creative move not only paid homage to Missoni’s heritage but also struck a chord with both long-time fans and new audiences, bridging generations through design.

​The Future of Fashion-Entertainment Collaborations
This season made one thing clear: collaborations between fashion and entertainment are more than just a trend—they’re a creative movement. Whether it’s Coperni’s Disney partnership or the nostalgic nods to icons like Jackie Onassis, Marilyn Monroe, and Madonna, the fusion of pop culture and fashion is creating runway moments that go beyond the fashion industry.
These collaborations are drawing new audiences into high fashion, making it more dynamic, inclusive, and accessible.

​As a designer, it’s clear that the future of fashion lies in this intersection of creative industries. By blending nostalgia, pop culture, and smart business collaborations, fashion is transforming the runway into a stage for storytelling, emotional engagement, and brand evolution. These collaborations are redefining how brands connect with global audiences, reaching far beyond traditional fashion lovers to fans of entertainment and pop culture.
Whether it’s hosting shows at iconic venues like Disneyland or drawing inspiration from cinema and media, fashion is no longer just about clothes—it’s about creating multi-sensory experiences that resonate across generations.
Looking ahead, one thing is for sure: the lines between fashion, entertainment, and culture will continue to blur, creating exciting new possibilities.


#Fashion2025 #SpringSummer2025 #FashionWeek #MilanFashionWeek #ParisFashionWeek #DesignInnovation #CreativeCollaboration #Fashiondesign

ITALIAN version

La Moda tra Cultura Pop, Nostalgia e Collaborazioni: Sfilate P/E 2025


Come designer multidisciplinare, considero la moda una piattaforma ideale per far convergere creatività e cultura.
Le settimane della moda Primavera/Estate 2025 di Milano e Parigi hanno dimostrato come il fashion business vada oltre la semplice creazione di abiti, evolvendo in un'espressione artistica capace di raccontare storie e riflettere i cambiamenti culturali. Quest’anno, la fusione tra cultura pop, nostalgia e collaborazioni strategiche ha trasformato le passerelle in autentici spettacoli di intrattenimento.

Moda e Cultura Pop: Un Connubio Vincente
Il legame tra moda e cultura pop non è certo una novità, ma quest’anno ne abbiamo avuto un esempio perfetto con la collaborazione tra Coperni e Disneyland Paris. Immaginate di essere immersi in un universo visivo in cui i design futuristici e minimalisti di Coperni si fondono con il mondo magico di Disney. Sfilare a Disneyland è stata una scelta audace e geniale, capace di attirare non solo gli appassionati di moda, ma anche i fan di Disney e della cultura pop, offrendo un’esperienza davvero unica e coinvolgente.
Moschino, come da tradizione, ha mantenuto il suo spirito ironico e provocatorio. Sotto la direzione di Adrian Appiolaza, la collezione ha reso omaggio all’eredità di Franco Moschino, mescolando ironia e audacia con un tocco di nostalgia. Gli accessori oversize e i riferimenti espliciti al mondo dell’intrattenimento hanno trasformato la sfilata in una vera celebrazione della pop culture.

Nostalgia: Il Fascino del Passato
Molti stilisti quest’anno hanno scelto di rivisitare il passato, utilizzando la nostalgia come chiave creativa per creare un legame emotivo con il pubblico. Gucci, ad esempio, ha riportato in auge l’eleganza senza tempo di Jackie Kennedy Onassis, con occhiali da sole oversize e le sue iconiche borse. Tuttavia, Sabato De Sarno è riuscito a fare molto di più di un semplice revival: ha reinterpretato questi elementi con un approccio contemporaneo, conferendo alla collezione un’aura di glamour classico, ma assolutamente attuale.
Dolce & Gabbana ha seguito una strada simile, omaggiando il glamour di Hollywood e icone degli anni ’80 come Marilyn Monroe e Madonna. La loro passerella è stata un trionfo di lusso e sensualità, con capi ispirati alla lingerie, rivisitati grazie a una maestria artigianale moderna che celebra una femminilità audace e contemporanea.
Non possiamo dimenticare Missoni, che ha saputo rinnovare il suo celebre motivo a zigzag, trasformandolo in forme 3D innovative. Questo esempio dimostra come il dialogo tra passato e futuro possa dare nuova energia a un design iconico, creando un ponte tra le generazioni e offrendo qualcosa di nuovo anche a chi ama la tradizione.

​Moda e Intrattenimento: Il Futuro delle Collaborazioni
Le sfilate di Milano e Parigi di quest’anno hanno sottolineato quanto sia forte il legame tra moda e intrattenimento, un connubio che appare destinato a crescere. Dalla collaborazione tra Coperni e Disney agli omaggi nostalgici a icone come Jackie Onassis, Marilyn Monroe e Madonna, la fusione tra cultura pop e moda ha creato momenti che vanno oltre la semplice presentazione di abiti. Questi crossover aprono la moda a un pubblico più ampio, rendendola più accessibile e dinamica.

Guardando al futuro, è evidente che la moda continuerà a evolversi grazie a queste contaminazioni tra diverse industrie creative. Nostalgia, cultura pop e collaborazioni strategiche non stanno solo ridefinendo le passerelle, ma le stanno trasformando in spazi narrativi pensati per coinvolgere ed emozionare il pubblico.
​Moda, intrattenimento e cultura si intrecciano sempre di più, dando vita a esperienze multisensoriali che parlano a generazioni diverse, ridefinendo costantemente i confini del design.

#FashionWeek #SS25 #Licensing #Fashion #BrandCollaborations #MilanFashionWeek #ParisFashionWeek #design #trends

​L'Eicma 2023 si è conclusa con un trionfo epico, grazie all’”EICMA EFFECT”, uno slogan capace di trasformare l'esposizione internazionale delle due ruote in una festa indimenticabile di passioni condivise. Oltre alle innovazioni rivoluzionarie e ai design mozzafiato delle moto, c'è un'energia speciale che si diffonde nei padiglioni: l'entusiasmo contagioso dei visitatori.
Gli appassionati non si limitano a osservare le ultime novità, ma vogliono portare a casa un frammento tangibile di quella passione che infiamma il cuore motociclistico.

​Voglio condividere una breve riflessione sul significato del merchandising in questo mondo; le aree di abbigliamento e accessori dei Brand sono state prese d'assalto alla fiera. Ho visto appassionati sconsolati perché le taglie delle t-shirt che desideravano erano esaurite; code alle casse per un portachiavi, una felpa o qualsiasi oggetto con il logo del brand; giovani e meno giovani acquistare con orgoglio lo stesso modello di felpa; visitatori che indossavano una maglietta di un brand, e sulla spalla lo zainetto di un altro marchio. Alla fine, la vera competizione motociclistica è sulle piste, non per le strade. Mi rendo sempre più conto che, in fondo, la passione per le due ruote è generosa, inclusiva... spesso, più che in altri sport.
Per chi frequenta la fiera, il momento del lancio dei gadget diventa una vera ossessione per accaparrarsi il cappellino o il portachiavi brandizzato. (continua dopo la galleria foto)

​Qui sta il punto: il merchandising all' Eicma, e in generale  il Merchandising/Apparel nel Retail Moto, non è semplicemente una transazione commerciale; è una connessione diretta con il cuore pulsante della cultura motociclistica .
Gli appassionati non sono semplici spettatori; sono protagonisti, immersi in un'esperienza che va oltre le moto in esposizione. Ogni capo di abbigliamento, ogni accessorio, diventa una dichiarazione di identità, una forma di espressione di quella passione.
Per il brand, è una doppia vittoria: fonte di entrate e un potente strumento di comunicazione e strategia di marketing.
Il merchandising nel settore motociclistico è più di un prodotto; è un linguaggio visivo che collega i brand ai loro appassionati. Sarebbe riduttivo considerare il merchandising come una banale esposizione di un logo su un prodotto. Piuttosto, deve incarnare lo stile di vita e l'identità del brand.

​È fondamentale quindi, per le Aziende, perseguire una ricerca di stile e design grafico all'altezza del proprio brand, creando prodotti che rendano gli appassionati parte del "team" e che portino il brand "a spasso" per le strade in modo distintivo.
Il posizionamento di un logo, l'uso del/i colori, la cura del dettaglio, la realizzazione di grafiche accattivanti, sono alla base di un attento approccio al Design di una linea di merchandising che possa suscitare interesse verso un pubblico sempre più esteso.
In questo modo, il Merchandising diventa un vero "veicolo" di valori e messaggi che il marchio vuole diffondere.
​Non è solo indossare un capo di abbigliamento; è abbracciare uno stile di vita e unirsi a una comunità inarrestabile di amanti delle due ruote

#Eicma #Eicma2023 #EicmaEffect #merchandising #BrandInnovation #licensingDesign #merchandisingDesign #motorbikeApparel #TeamWear #Sportswear #FashionDesign #ProductDesign #Lifestyle

"Né arte né design". Alla Triennale di Milano si è svolto il 23 settembre il convegno sulle Arti Applicate in Italia, promosso dalla Fondazione Cologni. Il tavolo di discussione è stato condotto da Ugo la Pietra, architetto, designer, artista italiano, ricercatore instancabile, da sempre fervido sostenitore di un processo creativo "sinestetico" fra le arti, cioè fatto di contaminazioni e "travasi" fra discipline diverse.

Il tema affrontato: come recuperare il saper fare artigiano nel design? Prima di tutto slegandosi dall'idea, sbagliata, che ciò che è artigianale sia necessariamente "classico" e persino di scarso "buon gusto", ricordandoci che in tutta Europa e in tutto il mondo, invece, il termine "craft" (talvolta,ma non sempre, autoprodotto) ha in sé il plus-valore della "fatto sapientemente", appunto con perizia artigiana, oltre che creato/progettato con metodo.

Ci si chiede quindi: come incentivare anche in Italia questa interazione e integrazione fra design e artigianato, capace di generare manufatti, o meglio "arte-fatti", cioè oggetti "fatti-ad-arte"? Come recuperare nel processo di design e progettazione il valore della manualità artigiana a fronte di un sistema che è sempre più industriale e strutturato per la produzione in serie?

Enzo Biffi Gentili, Direttore del Seminario di Arti Applicate/MIAAO di Torino, già nel 2002 aveva lanciato la kermesse torinese, "Artigiano Metropolitano" per rilanciare il settore delle Arti Applicate - in genere considerato minore e confinato in fiere del mobile e dell'artigianato. Una manifestazione di alto livello culturale articolata in sette mostre nel centro della città per raccontare un secolo di creatività artistico industriale a partire dall'Esposizione Internazionale del 1902, la prima al mondo destinata esclusivamente alle arti decorative.
L'arte applicata, sottolinea Gentili al convegno, aspira alla riproposizione di una "techne" (dal greco τέχνη) intesa come capacità creativa, elaborazione progettuale ma anche, necessariamente, come perizia esecutiva, come mestiere d’arte. Harold Rosenberg, critico d'arte e storico di metà XX sec, arriva persino ad affermare che "non c'è differenza fra un artigiano eccellente e un designer".

A livello europeo è sempre maggiore l'attenzione da parte del designer verso l'arte, le nuove materie, le nuove tecniche, verso i sistemi di autoproduzione. Una tendenza che vede rinnovare la vecchia struttura dell'artista/artigiano, maestro del saper fare, delineando una figura nuova, capace di introdurre ora nel proprio lavoro tutte le componenti di una impresa moderna: un progetto di qualità, la tecnica e i procedimenti innovativi, la comunicazione e commercializzazione. Al tempo stesso dunque artista, designer e artigiano.
In Italia questo processo di rinnovamento è meno marcato che nel Nord Europa ad esempio. Ancora, forse, manca nel nostro paese una politica culturale diffusa, e non esiste un sistema commerciale strutturato che possa supportare questo nuovo modello di piccola/piccolissima impresa.
Di fatto, comunque, siamo tenuti a confrontarci con il "craft" europeo.

Non bisogna dimenticare che l'Italia è storicamente la culla del saper fare artigiano e vanta ancora oggi la presenza sul territorio di eccellenze che ci vengono riconosciute all'estero come ineguagliabili.
In questa riflessione siamo invitati a  focalizzare l’attenzione sulle nostre diversità territoriali intese come valori, a livello culturale e materiale, e coltivare quindi un saper fare Territoriale.  Il "Made in Italy" non è dunque sufficiente . Suona come una provocazione, ma è così: il Parmigiano è Reggiano, non italiano, la pizza è napoletana, non italiana, il vetro lavorato è di Murano, non Italiano... L'invito è quindi ritrovare l’unicità delle nostre differenze, influenzate dalle stratificazioni culturali e dalle varietà dei nostri territori. Paola Navone, altra protagonista del convegno, sulla scia di questa riflessione di La Pietra, azzarda persino l'idea, geniale, di rinforzare i "cluster" di regione, e affiancare al mercato "slow" nel food e nel settore alimentare anche la territorialità del craft (e perché non chiamarlo "Slow craft"?).
L'invito di Francois Burkardt, storico del design e curatore, direttore della rivista Domus dal 1996 al 2000, è poi portare questa nuova arte/artigianalità/design nell'abitare collettivo - riportandoci al concetto di "abitare felice" nella cultura del movimento Bauhaus - e contribuire così alla bellezza delle nostre città, con una caratterizzazione urbanistica che possa avere valore "artistico", oltre che puramente funzionale.

Nel dibattito si parla poi di trasformazione digitale e "fare artigiano".
Se da una parte la prima ha portato a una perdita di "relazione tattile", essenza intrinseca del fatto a mano, dall'altra le tecnologie digitali aprono importanti nuove opportunità anche per il settore della manifattura. L'artigiano di oggi deve essere capace di raccogliere questa nuova sfida, affiancando alla motivazione personale, alla passione per il mestiere d'Arte - quindi al proprio "capitale semantico" - altri strumenti, dai quali oggi non si può prescindere.
Parliamo di strumenti di marketing (promozione sui piattaforme social), commerciali (piattaforme e-commerce), e nuovi mezzi tecnici (stampanti 3D), che devono essere utilizzati dall'artigiano di oggi per recuperare il valore intrinseco dell'oggetto, del pezzo unico e fatto su misura.
Per capire il potenziale effettivo pensiamo allo Storytelling, strategia vincente di comunicazione persuasiva nel digital marketing. Raccontare la storia di un Marchio, di una Azienda, di un Prodotto è uno degli strumenti più efficaci per creare mercato. Se la storia, la sua storia, ce la racconta un artigiano, un artigiano italiano, uno che ha veri contenuti ricchi di tradizione e passione, allora ci sono ottime probabilità che sia un buon racconto e che possa realmente aiutare l'impresa e valorizzare il suo Saper Fare. Nel caso dell'artigiano, poi, non si tratta solo di strategia per vendere il prodotto ma anche mezzo per diffondere cultura.

Nel dibattito della giornata, di fronte all'interrogativo su come favorire dunque nel nostro sistema di impresa l'incontro fra design e artigianato, emerge chiara l'importanza di fare un passo avanti nella didattica.
E' necessario investire sulla formazione, creare laboratori didattici capaci di far crescere le discipline internamente alle grande accademie del design in Italia. e pensare a queste accademie come luoghi politecnici di ricostruzione delle filiere del valore.

Proprio la Bauhaus era nata come fusione tra una scuola tecnica e un'accademia di arte in cui allievi e insegnanti/artigiani erano uniti dallo stesso intento di "erigere la casa del futuro", vivendo in stretta collaborazione nella scuola in un clima di entusiasmo e familiarità. Nella storia di Gropius il momento teorico, il momento pratico della creazione e il momento pedagogico  sono impossibili da separare.
Un'altra strada da intraprendere nel sistema formazione/lavoro sarebbe incentivare percorsi di apprendistato degli studenti presso i laboratori artigiani. Un primo passo per incentivare la cultura del fare, e fare bene, oltre che quella del progettare. Magari, chissà... con la speranza che il sistema didattico in "bottega" (ricordando che è nelle antiche botteghe rinascimentali che ha origine il saper fare italiano) e un "design territoriale" (nel nostro passato artistico e culturale erano proprio le singole identità territoriali a fare "Scuola" - vedi l'antica scuola Fiorentina, la scuola Veneziana, la scuola Romana,etc..) possano portare l'impresa italiana verso una nuova Rinascita.

Forse possiamo cominciare a immaginare anche all'interno della media/grande impresa italiana la valorizzazione del "progetto umano", e pensare a questo come senso nuovo, autentico, per fare impresa con successo. E' quello che dopotutto accadde nel Rinascimento quando lo stesso Umanesimo diventò strumento di realizzazione di un progetto unificante della polis, delle arti e dei mestieri.

I segnali di questa nuova direzione cominciamo a vederli. Fra i tanti, Diadora e la Capsule Moda A/I 2019 in collaborazione con il designer Danilo Paura, che ha come tema principale "craftsmanship as a rule" , progetto "Made in Italy" che combina ricerca, sartorialità al dna sportivo di Diadora;  la collezione di Giuseppe Zanotti, (marchio di calzature di lusso  scelte da star internazionali come Madonna, Beyoncè, Gwen Stefani, Jennifer Lopez..), appena presentata durante la settimana della moda P/E 2020, frutto di un mix di creatività/design e artigianalità al 100%made in Italy.
Ancora, a conferma di questa tendenza è la delibera appena approvata dal Comune di Venezia per tutelare le attività commerciali che valorizzano il patrimonio culturale della città, quindi la concessione di autorizzazioni in centro storico a negozi con artigianato locale di qualità piuttosto che prodotti low cost che di Made in Italy hanno ben poco.

Dialogare con questi valori distintivi della qualità' italiana - la creatività, l’innovazione, la bellezza, la ricchezza nella differenza e un forte legame con il territorio - non significa guardare indietro o solo difendere la tradizione; vuol dire ridare forza a un progetto culturale condiviso e proporre un nuovo paradigma economico e sociale sostenibile, che riconosca il valore del "capitale umano", la sua capacità di produrre "rendimento" in termini di "produttività totale" e di conseguenza, di benessere, individuale e collettivo.

Nasce la prima edizione di "BienNoLo", la biennale d’arte contemporanea di NoLo, il distretto multietnico della creatività a Milano. “A Nord di piazzale Loreto”, con un toponimo che ricorda il newyorchese SoHo, il distretto ha puntato negli ultimi anni su un tono decisamente cool, accogliendo anche numerosi eventi durante la settimana del Salone del Mobile.
L'evento artistico, Ideato da Carlo Vanoni, che ne è anche curatore insieme a ArtCityLab e Matteo Bergamini, ospita dal 17 al 26 maggio nei suggestivi spazi dell’ex Laboratorio Panettoni Giovanni Cova le opere di 37 artisti selezionati.

«Opere transitorie in luoghi transitori, lavori effimeri nella loro essenza e nella materia che li compone e che si inseriscono in uno spazio espositivo che ne diventa elemento strutturale; opere che non potrebbero esistere altrimenti, in altro tempo, in altro luogo, in altra dimensione»

Il primo esperimento di Biennale d'arte a Milano si svolge in uno spazio espositivo urbano, un ex capannone industriale e non un museo, per presentare opere che vivono illuminate dal giorno e oscurate dalla notte, facendole diventare parte integrante del luogo.
Questo approccio è interessante e ci riporta all'evoluzione dell'arte "ambientale", nata con la volontà di combattere il “sistema dell'arte”, eliminando l'oggetto artistico in sé e, più in generale, la mercificazione dell'opera d'arte, per giungere poi con gli anni a una "istituzionalizzazione" e legittimazione artistica di installazioni, eventi site-specific, happenings...
La nascita di nuovi centri espositivi con caratteristiche molto differenti rispetto ai convenzionali musei risale agli anni '60 e '70 e mette in risalto l’esistenza di una relazione tra l’oggetto artistico e lo spazio circostante.
L'ambiente diventa elemento che entra a far parte del processo artistico e di conseguenza, anche dell'allestimento dell’opera.
Il critico Germano Celant afferma che tra l'opera e il contesto vi sia uno scambio reciproco: «l'arte crea uno spazio ambientale, nella stessa misura in cui l'ambiente crea l'arte»

E' già dalle prime Avanguardie del '900 che si fa riferimento al superamento della concezione di autonomia dell'opera d'arte rispetto al contesto in cui viene collocata. La prima intuizione circa questa relazione di reciproca sopravvivenza arte e ambiente si può attribuire agli artisti futuristi e alla loro idea di "arte totale", capace di prevaricare i confini, abbracciando ogni aspetto della vita. Il Costruttivismo e il Suprematismo svilupparono ulteriormente il concetto, pensando all'arte come strumento di trasformazione del contesto sociale, facendola così uscire dagli ambienti dell'élite culturale. Nel 1920, El Lissitzky, una delle figure principali dell'avanguardia russa, comprese pienamente la capacità di poter andare oltre alla singola dimensione dell’opera, per integrarla all’ambiente, facendola essere allo stesso tempo contenuto e contenitore. Riuscì così a coniugare, a mettere in connessione, in un risultato organico e innovativo, diverse discipline come l'architettura, la scultura e la pittura. Concepì poi l'idea, ripresa molti anni dopo negli Stati uniti diventando la pietra miliare della Installation Art, della partecipazione attiva del pubblico in un'opera d'arte.
Un altro artista che successivamente lavorò sull’idea di "installazione" e sulla costruzione di "ambienti" fu Marcel Duchamp; nel "Ready-Made" è insita la relazione semantica fra oggetto estetico e il luogo in cui è esposto. Jackson Pollock influenzò l’arte ambientale da un punto di vista performativo (Action Painting), mentre la ricerca di Lucio Fontana si connotò da un punto di vista sensoriale e architettonico; si superò il limite della ricezione contemplativa dell'opera e, al contrario, questa cominciò a includere un'attiva partecipazione totale dei sensi, seppur in forma molto semplice.
Fu Allan Kaprow - pittore americano, assemblagist e fra i fondatori del "Happening" nei tardi anni '50 e '60 - il primo artista a definire teoricamente le caratteristiche degli environment: il coinvolgimento degli spettatori e gli interventi a livello ambientale non sono che la diretta conseguenza della fusione di arte e vita.
Un artista che fece della modalità espositiva delle opere d’arte una parte determinante della sua ricerca artistica fu Donald Judd (anni '40 -'60). I suoi oggetti, apparentemente autonomi, non possono essere percepiti senza considerare il rapporto con lo spazio che occupano e influenzano. Il riutilizzo di edifici fu uno dei temi centrali della sua produzione. Judd Acquistò nei primi anni,'70 vari immobili nella piccola cittadina americana di Marfa nel Texas, finanziato anche dalla Dia Art Foundation di New York (organizzazione no profit, fondata nel 1974 con il compito di sovvenzionare, valorizzare e proteggere progetti nel campo dell'arte contemporanea) tra cui alcuni strutture della vecchia base americana di Fort D.A. Russel, da anni chiusa e abbandonata. Dopo averli parzialmente restaurati, il progetto "Marfa" divenne la sede della Fondazione Chinati, un centro espositivo immerso un'area di natura incontaminata ed estraneo al circuito delle gallerie, un "museo per artisti" nato con l'intento di esposizioni permanenti. Le opere erano qui illuminate solo da luce naturale; le pareti degli Hangar venivano abbattute per fare spazio a file di finestre a tutta altezza, creando una forte illusione di compenetrazione tra la natura esterna e le opere interne.
Da sperduto paese del profondo sud, quasi al confine con il Messico, Marfa ebbe la possibilità di vivere una seconda vita grazie alla Fondazione Chinati, che ogni anno continua ad attirare migliaia di visitatori in questo irraggiungibile angolo di mondo. Il progetto di questo artista è la dimostrazione di come l’arte possa rivitalizzare un edificio e un paese intero, attirando le persone a viverlo nuovamente a rimanerne ispirati. 

Le nostre città, e non solo i grandi agglomerati urbani, sono ricche di un patrimonio che aspetta solo di essere valorizzato, e di avere nuova storia. L'approccio di BienNoLo è interessante e da seguire; un evento "locale", di quartiere, capace di attivare connessioni, attivare spazi abbandonati e rigenerarli, per farne cultura. Come questa manifestazione, temporanea, ci sono altri esempi validi di Rigenerazione Urbana in Italia che hanno saputo dare nuova identità a spazi che erano ormai diventati "invisibili". L'augurio che possiamo farci è che le amministrazioni locali o le iniziative private siano sempre più orientati ad azioni di recupero e riqualificazione di patrimoni edilizi esistenti finalizzate ad un miglioramento della qualità culturale e artistica della vita, nel rispetto dei principi di sostenibilità ambientale e di partecipazione. Dovrebbe diventare sempre più una priorità intervenire in modo creativo nella trasformazione dei "vuoti" urbani. Sarebbe opportuno considerare sempre con maggiore consapevolezza la rigenerazione urbana come metodo per fare Innovazione incentivando il potenziamento delle connessioni fra persone, fra oggetti e ambiente, e fra persone e ambiente.

Manuela Mazzanti - Designer/Creative Director

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ll 2019 è l'anno di Leonardo da Vinci, il grande genio poliedrico del Rinascimento italiano: artista, pittore, architetto, scienziato.
E' nella celebrazione dei 500 anni dalla sua morte che vorrei fare una breve riflessione sul tema della multidisciplinarità - intesa come collaborazione e intersezione fra le arti (contaminazioni e connessioni) - riconducendo le sue origini proprio alla cultura umanistico-rinascimentale, di cui Leonardo fu eccellente rappresentante: il suo vasto campo di interessi, il suo approccio globale alla realtà, la sua capacità di far dialogare le discipline, le esperienze del mondo, della natura e degli uomini, la sua curiosità insaziabile, ne fanno il modello più elevato di genio rinascimentale di cui incorpora pienamente lo spirito.

Non solo Leonardo, ma tutti i più grandi Umanisti del suo tempo vedevano naturale considerare arte, scienza, tecnica, letteratura inscindibili, come un tutt'uno.
Le botteghe rinascimentali, luoghi di formazione umanistica per eccellenza, erano spazi vivi, di condivisione e collaborazione, di sperimentazione e innovazione. Possiamo definirli gli spazi di "co-working" del XV secolo, privi di web, wi-fi, e smartphones ma autentiche realtà di network. La bottega era una comunità di creativi, di apprendisti, lavoratori, artigiani, tecnici, ingegneri, fortemente connessi fra loro, interdipendenti seppur indipendenti.
A Firenze la bottega del Verrocchio (pittore, scultore, musicista, orafo) è una delle più feconde del Rinascimento. Qui Leonardo si avvicina alla carriera di artista come apprendista, e con lui lavorano pittori, scultori, architetti, botanici,
anatomisti, matematici , musicisti…Un vero e proprio team multidisciplinare, come lo si definirebbe nell'Impresa - Ideale -
di oggi. E' proprio la cultura Umanistica, e con essa il Rinascimento, che rivoluzionano il processo formativo dei decenni precedenti caratterizzato da una conoscenza e da un'arte pratica specializzata. Ad essa si antepone, nel XV secolo, la coscienza della pluralità dei saperi e competenze, necessarie all'uomo per capire e interpretare la realtà complessa che lo circonda.
Oggi, con l'espressione "Lifewide Learning" definiamo una forma strategica di apprendimento che supera i luoghi abituali della didattica trovando la sua realizzazione in qualunque contesto ambientale e sociale, con un approccio relazionale e collaborativo. Il concetto educativo è così inteso come crescita globale e integrale della persona. L'apprendimento si identifica in un processo continuo, in divenire fondato sulla esperienza, o meglio, che attraversa le molteplici esperienze nella vita dell'individuo (Lifelong Learning). Si potrebbe riconoscere in questa definizione una rilettura in chiave moderna di una pedagogia "sociale", "integrata" ed "esperienziale" propria della cultura umanistica del '500; quella dell'artista/progettista rinascimentale è un tipo di formazione che rafforza le competenze strategiche e trasversali, connesse e interdipendenti con le competenze di base e quelle specialistiche, e che riconosce nell'Esperienza - nelle molteplici esperienze - il fondamento della Conoscenza (e dell'innovazione).

Se gli intellettuali nel Medioevo erano figure fortemente specializzate in settori specifici - si pensi a Dante nella poesia o Giotto nella pittura, l’intellettuale dell’Umanesimo è piuttosto una figura poliedrica, capace di spaziare in diversi campi del sapere. Come Leonardo da Vinci, si possono ricordare altri grandi artisti rinascimentali “pluridisciplinari” o "pluriqualificati", osservatori e interpreti a 360° del mondo circostante, capaci di creare connessioni fra saperi diversi. Per citarne alcuni, tra i più autorevoli: Leon Battista Alberti  (architetto, musicista, letterato, pedagogista), Raffaello e Michelangelo (pittori/scultori e architetti), Brunelleschi (architetto, ingegnere, scultore, matematico). Gli artisti Rinascimentali coltivavano contemporaneamente passioni e attività molteplici in un'ottica organica e armoniosa del sapere.Clicca qui per modificare.
E’ dunque nel dialogo fra saperi e discipline diverse che le più grandi menti creative hanno saputo fare innovazione (e non solo nel Rinascimento). C’è quindi ora da chiedersi: alla luce di tale evidenza storica, che valore ha realmente "una" qualifica, tanto richiesta e determinante nelle selezioni di head hunters e HR in cerca di grandi professionisti, peraltro spesso accompagnata dalla richiesta di esperienza 10+years nello stesso ruolo e settore? Quanto piuttosto sarebbe forse più produttivo e innovativo esplorare l'esperienza cross-disciplinare per un vero rinnovamento (o nuovo Rinascimento) anche culturale? E' interessante l'analisi di G. Ricuperati, che nel  libro "100 Global Minds" raccoglie i profili dei cento personaggi più influenti nel dialogo tra discipline; considerare le competenze come compartimenti stagni favorisce quelle che l’autore chiama “rendite di posizione” ma forse non si adatta alle necessità del futuro più prossimo.
Analizzando il "profilo" professionale del Sig. da Vinci (e del Sig. Buonarroti e del Sig. Sanzio...), si potrebbe affermare che proprio la multidisciplinarietà, in tutte le forme possibili, sia la condizione sine qua non della prospettiva e con essa dell'Innovazione.
Ora viene spontanea una riflessione: una candidatura così "variegata" - artista, scienziato, ingegnere, pittore, matematico, scenografo, scienziato - che effetto farebbe oggi su un recruiter? Leonardo, ricco di committenti fiduciosi e ambiziosi nel suo Rinascimento, ai giorni nostri dovrebbe "giustificare" in qualche modo il suo eccesso di curiosità, i suoi interessi poliedrici, la frammentarietà delle sue esperienze professionali? Risulterebbe altrettanto "interessante" e credibile a un committente/Azienda o recruiter del nostro secolo?
Vogliamo sperare di SI.
Vogliamo continuare a credere nella grande eredità che ci ha lasciato la cultura umanistico-rinascimentale, convinta che questa possa favorire visioni innovative nella società, nelle relazioni e nei valori d'impresa. Mai, come in questo momento storico così complesso tutte le forme di conoscenza sono chiamate a collaborare, in un sistema fluido, spontaneo, trasversale.

A conclusione di questa analisi, aggiungerei: Leonardo da Vinci non solo era un genio creativo universale con molteplici interessi , ma era anche un ottimo self-promoter (lasciandoci inoltre un esempio eccezionale di CV). Nel 1482 Leonardo ha 30 anni e cerca un contatto con il Duca di Milano. Scrive così a Ludovico il Moro una «lettera di impiego», utilizzando un linguaggio semplice ma esperto, una vera e propria autocandidatura in dodici punti (lo scritto è ora custodito a Milano presso la Biblioteca Ambrosiana). Nove di questi punti presentano le sue conoscenze in armi e macchine da guerra, dunque non hanno niente a che fare con quello per cui era meglio conosciuto e solo negli ultimi 3 punti elenca in modo sintetico i suoi "skills" come pittore e artista. Era quindi consapevole che in quel periodo storico turbolento le sue conoscenze nell'ingegneria bellica avrebbero suscitato maggior interesse nel suo committente. Aveva dunque intuito, anche qui in modo geniale, che presentarsi come esperto nel settore bellico - pur non trattandosi della sua specializzazione - piuttosto che come artista e pittore, avrebbe dato dato maggior valore alla sua presentazione e candidatura. Insomma, un ottimo esempio di "Personal Branding" e di trasversalità dei saperi che ancora oggi fa scuola.

Manuela Mazzanti - il Design delle Connessioni

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"Lettera di presentazione" del 1482 di Leonardo da Vinci a Ludovico il Moro - Testo Originale -
Codice Atlantico, Milano, Biblioteca Ambrosiana

1) Ho modi de ponti leggerissimi et forti, et atti ad portare facilissimamente, et cum quelli seguire, et alcuna volta fuggire li inimici, et altri securi et inoffensibili da foco et battaglia, facili et commodi da levare et ponere. Et modi de arder et disfare quelli de l’inimico.

2) So in la obsidione de una terra toglier via l’acqua de’ fossi, et fare infiniti ponti, gatti et scale et altri instrumenti pertinenti ad dicta expedizione.

3) Item, se per altezza de argine, o per fortezza di loco et di sito, non si potesse in la obsidione de una terra usare l’officio de le bombarde, ho modi di ruinare omni rocca o altra fortezza, se già non fusse fondata in su el saxo.
   
4) Ho ancora modi de bombarde commodissime et facile ad portare, et cum quelle buttare minuti (saxi a similitudine) di tempesta; et cum el fumo di quella dando grande spavento all’inimico, cum grave suo danno et confusione.
   
5) Et quando accadesse essere in mare, ho modi de molti instrumenti actissimi da offender et defender, et navili che faranno resistenzia al trarre de omni g[r]ossissima bombarda et polver & fumi.
   
6) Item, ho modi, per cave et vie secrete et distorte, facte senza alcuno strepito, per venire (ad uno certo) et disegnato[loco], ancora che bisognasse passare sotto fossi o alcuno fiume.
   
7) Item, farò carri coperti, securi et inoffensibili, e quali intrando intra li inimica cum sue artiglierie, non è sì gran de multitudine di gente d’arme che non rompessino. Et dietro a questi poteranno seg[ui]re fanterie assai, illesi e senza alcuno impedimento.
   
9) Item, occurrendo di bisogno, farò bombarde, mortari et passavolanti di bellissime et utile forme, fora del comune uso. Dove mancassi la operazione de le bombarde, componerò briccole, mangani, trabucchi et altri instrumenti di mirabile efficacia, et fora del usato; et insomma, secondo la varietà de’ casi, componerò varie et infinite cose da offender et di[fendere].
   
10) In tempo di pace credo satisfare benissimo ad paragone de omni altro in architectura, in composizione di edificii et pubblici et privati, et in conducer acqua da uno loco ad uno altro.

11) Item, conducerò in sculptura di marmore, di bronzo et di terra, similiter in pictura, ciò che si possa fare ad paragone de onni altro, et sia chi vole.

12) Ancora si poterà dare opera al cavallo di bronzo, che sarà gloria immortale et eterno onore de la felice memoria del Signor vostro patre et de la inclita casa Sforzesca.

Lettura moderna del testo :

1) Sono in grado di creare ponti, robusti ma maneggevoli, sia per attaccare i nemici che per sfuggirgli; e ponti da usare in battaglia, in grado di resistere al fuoco, facili da montare e smontare; e so come bruciare quelli dei nemici.

2) In caso di assedio, so come eliminare l’acqua dei fossati e so creare macchine d’assedio adatte a questo scopo.

3) Se, sempre in caso di assedio, la fortezza fosse inattaccabile dalle normali bombarde, sono in grado di sbriciolare ogni fortificazione, anche la più resistente.

4) Se, sempre in caso di assedio, la fortezza fosse inattaccabile dalle normali bombarde, sono in grado di sbriciolare ogni fortificazione, anche la più resistente.

5) Sono in grado di ideare e creare, in modo poco rumoroso, percorsi sotterranei per raggiungere un determinato luogo, anche passando al di sotto di fossati e fiumi.

6) Costruirò carri coperti, sicuri, inattaccabili e dotati di artiglierie, che riusciranno a rompere le fila nemiche, aprendo la strada alle fanterie, che avanzeranno facilmente e senza ostacoli.

7) Se c’è bisogno costruirò bombarde, mortai e passavolanti [per lanciare sassi e ‘proiettili’] belli e funzionali, rielaborati in modo nuovo.

8) Se non basteranno le bombarde, farò catapulte, mangani, baliste [macchine per lanciare pietre e ‘fuochi’] e altre efficaci macchine da guerra, ancora in modo innovativo; costruirò, in base alla situazione, infiniti mezzi di offesa e difesa.

9) In caso di battaglia sul mare, conosco efficaci strumenti di difesa e di offesa, e so fare navi che sanno resistere a ogni tipo di attacco.

10) In tempo di pace, sono in grado di soddisfare ogni richiesta nel campo dell’architettura, nell’edilizia pubblica e privata e nel progettare opere di canalizzazione delle acque.

11) So realizzare opere scultoree in marmo, bronzo e terracotta, e opere pittoriche di qualsiasi tipo.

12) Potrò eseguire il monumento equestre in bronzo che in eterno celebrerà la memoria di Vostro padre [Francesco] e della nobile casata degli Sforza.

​References:

Arte che non sembra Arte, Lorenza Perelli serie Francoangeli 2017
Botteghe artigiane Rinascimentali e co-working cosa hanno in comunque?  - Piero Formica harvard Business Review
Educazione permanente nella prospettiva del lifelong e lifewide learning - Prof. Gabriella Aleandri
100 Menti Globali - redazionale Rivista Studio Blog
100 Global Minds - Gianluigi Ricuperati, Roads Pub 2015
Il curriculum di Leonardo da Vinci - Giacomo Dalseno, Ambiente di teoria e pratica della formazione

Suggerimenti alla lettura:
Rinascimento Oggi- la rivoluzione del marketing Umanistico: creatività e idee per la human Satisfaction - Marzio Bonferroni